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Saturday, 29 December 2007
Getting Back to Painting/Le Grand Retour vers la Peinture
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I have been spending the past two years concentrating on my drawing; no matter how abstract you may want to get with the painting, there isn't any point, I think, unless you have a good grasp on drawing. Abstract is shapeless and meaningless without structure.
Ca fait deux ans que je me concentre sur le dessin; n'importe combien que tu veux devenir abstrait avec la peinture, ça sert à rien, je crois, sauf si tu as une bonne maîtrise du dessin. L'abstrait a l'air d'être juste sans forme et sans sens sauf s'il y a une structure sous-tendante.
This is not necessarily a prevalent view, at least not in France. I don't know how many times I have heard in French art studios that you don't need to have all the formal and academic stuff to be creative. Twenty-seven years abroad is too much for me to comment on the American art scene unless I do a lot of serious study and research first, but since the May 1968 student strikes in Paris, in France at least formalism has been out and conceptual has been in.
Ce point de vue n'est pas forcement très prévalente. Je ne sais pas combien de fois que j'ai entendu dans les atelier que tu n'as pas besoin d'avoir tout le formel et l'académique pour être créatif. Vingt-sept ans fait trop pour que je puisse discuter de l'arène américaine de l'art, mais depuis les grèves d'étudiants de mai 1968 à Paris, en France le formalisme est "out" et le conceptuel est "in".
I personally am into formalism (what the French call "academic") with evolutionary sauce. What I mean to say with the fancy words is that what I enjoy most in art is when the original idea is formal - for example you want to paint a picture of a bird - and you evolve it - for example from a picture of a bird to a picture that people can interprete as birdness. Not going as far as conceptualism (I am not personally into strapping Icarus-like wings on people so they can live the ornithological experience) I believe in something more expressionistic. I think art is at its best when it is universal enough that onlookers can impose their own experiences on it.
Personnellement je suis intéressée par le formalisme (ce que les français appellent l'académique") avec une sauce à l'évolution; Ce que je veux dire par ces mots compliqués, c'est ce que j'aime le plus dans l'art c'est le moment où l'idée d'origine est formelle - par exemple, quand tu veux peindre un image d'un oiseau - et tu le fais évoluer - par exemple d'un image d'un oiseau à un image que les gens peuvent interpréter comme la notion d'oiseau. N'allant pas aussi loin que le conceptualisme (je ne suis pas moi-même intéressée par l'idée de coller des ailes d'Icare sur les gens pour qu'ils puissent vivre l'expérience ornithologique) je crois plus dans l'art plus expressionniste. Je crois que l'art est au mieux quand il est suffisamment universel pour laisser ceux qui regardent la possibilité d'imposer leur propre expérience sur l'image.
Hence, in terms of my own work, a return to painting. I feel I have acquired enough formal technique to now start the scary bit of letting go of it. Because isn't that the thing? To acquire the technique to forget you have it?
Donc, en termes de mon propre travail, le moment est venu pour le grand retour à la peinture. J'ai le sentiment avoir acquérir assez de technique formelle pour maintenant commencer le jeu terrifiant de le laisser aller comme ça. C'est l'enjeu, n'est-ce pas? D'acquérir la technique pour oublier que tu l'as?
00:20 Posted in Works in Progress/Travaux en cours | Permalink | Comments (1) | Email this
Wednesday, 26 December 2007
Exhibition/Exposition: Fragonard (1732-1806)
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Young Girl Delivering a Bird From Its Cage, Jean-Honoré Fragonard
Jeune fille délivrant un oiseau de sa cage, Jean-Honoré Fragonard
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Until 13th January 2008 the Jacquemart-André Museum is presenting a unique collection of about a hundred works by the painter Fragonard, come from the world over. The exhibition offers a surprising portrait of an artist usually considered as the most eminent illustrator of the tastes of the French 18th century, generally considered exemplified by pleasure and refinement. Say “Fragonard” and people usually think of The Swing, in which a gallant young man of leisure cheerfully spies up the skirt of an equally cheerful young woman of leisure carelessly sporting about on a swing.
Jusqu’au 13 janvier 2008 le Musée Jacquemart-André présente un rassemblement unique d’une centaine d’œuvres du peintre Fragonard, venues du monde entier. L’exposition dresse le portrait surprenant d’un artiste qui, d’habitude, est considéré l’artiste qui est le plus éminemment représentatif des goûts du XVIIIème siècle en France, généralement exemplifié par le plaisir et le raffinement. Dîtes « Fragonard » et les gens pensent d’habitude au tableau Le Balançoire, où un jeune galant épie joyeusement les cuisses d’une jeune fille également joyeuse de s’exposer avec désinvolture sur un balançoire.
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The Swing, Jean-Honoré Fragonard
Le Balançoire, Jean-Honoré Fragonard
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It was therefore with a certain surprise that I discovered new facets to this artist, brought to light Marie-Anne Dupuy-Vachey, the exhibition curator. It would seem that Fragonard marked the start of his career by winning the Grand Prix de l’Académie in 1752, at the age of twenty. The work of art in question was Jeroboam Offering Sacrifice for the Idol, a thoroughly academic work (I shall pretend to not notice my pun), because at the time Fragonard was a painter of…historical paintings. “I only paint histories, great subjects,” he grandly told an actress in 1780 who has asked him to paint her portrait.
C’était alors avec une certain surprise que j’ai découvert nouvelles facettes à cet artist, mises en lumière par Marie-Anne Dupuy-Vachey, commissaire de l’exposition. Il semblerait que Fragonard a marqué le début de sa carrière en gagnant le Grand Prix de l’Académie en 1752, à l’âge de vingt ans. L’œuvre en question était Jéroboam sacrifiant aux idoles, un tableau entièrement académique (je ferai semblant de ne pas remarquer mon lamentable jeu de mots), parce qu’à l’époque Fragonard était un peintre…de l’Histoire. « Je ne peins que les histoires, les grands sujets, » il a dit avec grandeur à une actrice qui en 1780 lui avait demandé de peindre son portrait.
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Jeroboam Offering Sacrifice for the Idol, Jean-Honoré Fragonard
Jéroboam sacrifiant aux idoles, Jean-Honoré Fragonard
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Fragonard was to abandon history painting for illustration, with first Jean de La Fontaine for guide, and he soon gave himself complete freedom to illustrate the pleasures of maid and man with scenes inspired by, oh, Orlando Furioso, for example. And it is here that one starts to be more than a little startled by the dialogue between the literary and the lush.
By the way, quite parenthetically, I must say there are moments when one is frankly ill at ease in the exhibition, for example when considering the portrait of a fresh and "innocent" young girl cuddling two newborn puppies to her bared adolescent breasts. "That's a bit perverse," murmured my French friend, before she moved on to a young girl with bared breasts cuddling a cat...
Fragonard allait abandonner la peinture d'Histoire pour l'illustration, avec d'abord Jean de La Fontaine pour guide, et bientôt il se donnait une complète liberté pour illustrer les plaisirs de fille et homme avec des scènes inspirées de, oh, Orlando Furioso, par exemple. Et c'est ici où l'on commence à être un peu plus qu'étonné par le dialoque entre le littéraire et le sensuel.
Entre parenthèse, et je veux vraiment entre parenthèses, il y a des moments où l'on est franchement mal à l'aise dans l'exposition, par exemple en considérant le portrait d'une jeune fille fraîche et "innocente" câlinant deux chiots nouveaux-nés contre ses seins exposés et adolescents. "C'est un peu pervers ça," a murmuré ma copine française, avant de passer à une jeune fille avec des seins exposés, qui câlinait un chat... ____________________________________________________________________________________
The Model's Beginnings, Jean-Honoré Fragonard
Les débuts du modèle, Jean-Honoré Fragonard
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The exhibition sets out to prove a little-known fact : that Fragonard’s inspiration came not only from his readings of writers and poets, but also by the relations he had with the intellectual and artistic milieu of his time. The artist in fact became the illustrator of the literary and pictorial culture of the Age of Enlightenment. Diderot and Benjamin Franklin find their place in his work, but also Cervantes and Ariosto. Yes, the libertine stuff is there, but so are scenes of gentle family life à la Rousseau, legendary heros doing their daring deeds, charming allegories of love shyly running away and to each other. In short, the exhibition is a surprising and interesting study to prove that Fragonard was more than a man of libertine tastes; he was an - intellectual!
L’exposition se donne pour objectif de prouver un fait peu connu: que l’inspiration de Fragonard est venue non seulement de ses lectures des écrivains et des poètes, mais aussi des relations qu’il entretenait avec le milieu intellectuel et artistique de son temps. L’artiste au faut devenait l’illustrateur de la culture littéraire et artistique des Lumières. Diderot et Benjamin Franklin trouve leur place dans son travail, mais également Cervantes et Arioste. Oui, les truc coquins sont là, mais aussi des scènes de la douce vie familiale à la Rousseau, des héros légendaires en train de faire leurs missions d’audace, des allégories charmantes d’amour qui courent timidement l’un vers l’autre, ou qui courent pour que l’un puisse tenter d’échapper à l’autre. En court, l’exposition est une étude surprenante et intéressante pour démontrer que Fragonard était plus qu'un homme de goûts libertins; il était un - intellectuel!
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Roger Blinds the Whale, Jean-Honoré Fragonard
Roger aveugle l'orque, Jean-Honoré Fragonard
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Jacquemart-André Museum (3 October – 13 January 2008), 158 bd Haussmann – 75008 Paris. Open every day from 10:00 am to 6:00 pm. Access: RER Charles de Gaulle – Etoile / Métro Miromesnil or Saint Philippe du Roule / Bus: 22, 28, 43, 52, 54, 80, 83, 84, 93.
Musée Jacquemart-André (octobre 2007 - 13 janvier 2008), 158 bd Haussmann - 75008 Paris. Ouvert tous les jours, sans exception, de 10h à 18h. Tél. : 01 45 62 11 59. Accès : RER Charles de Gaulle - Etoile / Métro Miromesnil ou Saint Philippe du Roule / Autobus : 22, 28, 43, 52, 54, 80, 83, 84, 93.
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Inspiration, autoportrait de Jean-Honoré Fragonard
00:15 Posted in Exhibitions/Expositions | Permalink | Comments (2) | Email this | Tags: Fragonard, jeune fille délivrant un oiseau de sa cage, young girl delivering a bird from its cage, The Swing, Le Balançoire
Monday, 24 December 2007
Merry Christmas Everyone! / Joyeux Noël Tout le Monde!
The irreplaceable Bing Crosby singing White Christmas - my very best wishes to all for a wonderful Christmas!
L'irremplaceable Bing Crosby chantant White Christmas - mes meilleurs voeux à tous pour on Noël de merveille!
00:35 Posted in The Art of Having Fun/L'art de s'amuser | Permalink | Comments (7) | Email this | Tags: Bing Crosby, White Christmas
Saturday, 22 December 2007
Bing Crosby, David Bowie and Christmas / Bing Crosby, David Bowie et Noël
Come on, it's Christmas-time, let's get corny!
Allez, c'est bientôt Noël, soyons trop sentimental !
00:45 Posted in The Art of Having Fun/L'art de s'amuser | Permalink | Comments (1) | Email this | Tags: Bing Crosby, David Bowie, Little Drummer Boy
Wednesday, 19 December 2007
A Closer Look at Redon/Un regard de plus près à Redon
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Bust of a Man with Closed Eyes, Surrounded by Flowers, by Odilon Redon
Buste d'homme aux yeux clos, entouré de fleurs, par Odilon Redon
"The creation of something new is not accomplished by the intellect but by the play instinct acting from inner necessity. The creative mind plays with objects it loves."
- Carl G. Jung
"La création de quelque chose de nouveau n'est pas accompli par l'intellect mais par l'instinct de jeu activé par une nécessité interne. L'esprit créatif joue avec les objects qu'il aime."
-Carl G. Jung
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In response to my article about Redon, my creative friend Ted wrote that the notion of having to distance oneself from the real thing has always been fascinating to him. Had paired images of Redon's process ever been assembled together? So much happens in the brain over time. What are those processes that allow our minds to reach beyond rationality in a coherent manner?
I am no Redon scholar, but feverish Googling did not seem to indicate that anyone has ever tried making the pairs that Ted spoke of.
However, for Ted's second question I would submit that perhaps for Redon, as for most creative people, a sense of play is involved. It must be said, there is much in his work that is grimly funny. And this play would apparently involve taking a notion of the real and letting his mind amuse itself with it, like the urchin scribbling a mustache on the Mona Lisa with a pencil-stub when the security guard turns his back.
Hence I would claim that the invisible and intangible is the world where Redon ends up, but his point of departure is the real. Redon himself wrote in the margin of a text by Emile Bernard appearing in 1904 in L'Occident: "I am not spirit, oh! No! / What are spirits?" or again: "The supernatural is not my nature".
Detail, Bust of a Man with Closed Eyes, Surrounded by Flowers, by Odilon Redon
Détail, Buste d'homme aux yeux clos, entouré de fleurs, par Odilon Redon
En réponse à mon article récent sur Redon, Ted, un ami créatif, a écrit que la notion d'être obligé de se distancer de la chose réelle lui fascine. Est-ce que des images jumellés du processus créatif de Redon ont jamais été rassemblés? Tant de choses se passent dans le cerveau au cours du temps. Quels sont ces processus qui permettent à notre esprit d'aller au-delà de la rationalité d'une façon cohérente?
Je ne suis pas du tout un spécialiste de Redon, mais des recherches Google faites fièvreusement avait l'air d'indiquer que personne n'a jamais essayé de faire les jumelages dont parle Ted.
Néanmoins, pour la deuxième question de Ted je soummetrais l'idée que peut-être pour Redon, comme pour la plupart des personnes créatives, une ambiance de jeu en fait partie. Il faut le dire, il y a beaucoup dans l'oeuvre de Redon qui est tristement drôle. Et ce jeu semble-t-il comprendrait le fait de prendrait le réel pour que son esprit s'amuse avec, un peu comme le petit malin qui cribouille des moustaches sur la Joconde avec un bout de crayon quand le gardien tourne son dos.
Ainsi je dirais que l'invisible et l'intouchable est le monde où Redon termine, mais son point de départ est le réel. Redon lui-même a écrit en marge du texte d'Emile Bernard en 1904 dans L'Occident: "Je ne suis pas spirite, oh ! Non. / Qu'est-ce que les esprits ?", ou encore : "Le surnaturel n'est pas ma nature".
Detail, Bust of a Man with Closed Eyes, Surrounded by Flowers, by Odilon Redon
Détail, Buste d'homme aux yeux clos, entouré de fleurs, par Odilon Redon
The departure point in the real, for Redon, was in his very faithful "academic" drawings of Nature's manifestations, such as the sketches of flowers illustrating this article, and on view in the current Musée d'Orsay exhibition. This kind of drawing was in the air of the early nineteenth century. Delacroix, of whom Redon was a great admirer, made his first studies of flowers around 1845, when taking restful holidays in Nohant, at George Sand's home. The novelist in fact recounted how she had one day surprised the painter in "an ectasy of delight before a yellow lily the beautiful architecture of which he had just understood."
Redon himself undertook his own studies of flowers in the 1860s, to "nearsightedly study stalks of grass and pebbles", as he told himself in his journal To Myself (A Soi-même). He never abandoned the real no matter how far he strayed in the imaginary, always bearing in mind "a constant attention to obeying the laws of Nature and of life," as he stated in his Artist Secrets (Confidences d'Artiste), as I already mentioned in the earlier Redon article. The imaginary just made the real a bit more exaggerated and curious...
In this way in May 1909 he explains: "after an effort to minutely copy a pebble, a stalk of grass, a hand, a profile or any other thing of living or inorganic life, I feel a mental bubbling coming; I then need to create, to let myself go into representing the imaginary. Nature, in this way carefully measured out and allowed to infuse, becomes my source, my leaven, my yeast. From this origin I belive my inventions to be true. I believe it of my drawings."
Poppy, Pansy and Anemone, by Eugène Delacroix
Un pavot, une pensée et une anémone, par Eugène Delacroix
Le point de départ pour Redon dans le réel était ses dessins très fidèles des manifestation de la Nature, comme les dessins de fleurs qui illustrent cet article et qui sont en vue au Musée d'Orsay actuellement. Ce type de dessin était dans l'air du début du XIXème siècle. Delacroix, dont Redon était un grand admirateur, a réalisé ses premières études de fleurs autour de 1845, à l'occasion de séjours de repos à Nohant, chez George Sand. La romancière a raconté en effet qu'elle avait surpris un jour le peintre en "extase de ravissement devant un lis jaune dont il venait de comprendre la belle architecture".
Redon a entrepris ses propes études de fleurs dans les années 1860, pour "ausculter avec myopie le brin d'herbe et le caillou" comme il le confie dans son journal A soi-même. Il n'a jamais abandoné le réel n'importe combien il errait dans le sens de l'imaginaire, toujours gardant dans son esprit "un souci constant d'obéir aux lois du naturel et de la vie," comme il a écrit dans Confidence d'artiste. L'imaginaire simplement a rendu le réel un peu plus exaggéré et curieux...
Ainsi, en mai 1909: "après un effort pour copier minutieusement un caillou, un brin d'herbe, une main, un profil ou tout autre chose de la vie vivante ou inorganique, je sens une ébullition mentale venir ; j'ai alors besoin de créer, de me laisser aller à la représentation de l'imaginaire. La nature, ainsi dosée et infusée devient ma source, ma levure, mon ferment. De cette origine je crois mes inventions vraies. Je le crois de mes dessins".
Branche de mille-pertuis, et profil de femme, par Odilon Redon
When one looks at this drawing of a flower and a woman above, it is easy to see that it just takes a bit of macabre wit to combine them as Redon did later in this drawing below:
Quand on regarde ce dessin d'une fleur et d'une femme ci-dessus, il est facile de voir qu'il faut simplement un peu d'esprit funéréale pour les combiner comme Redon a fait plus tard dans le dessin ci-dessous:
Swamp Flower, by Odilon Redon
Fleur des Marais, par Odilon Redon
Indeed, one can understand his drawings as visual conceits. I could well imagine his entitling this last drawing below: "My mistress' eyes are nothing like the sun..." (Sonnet 130, Shakespeare).
Effectivement, on peut comprendre que ses dessins sont des figures de rhétorique visuels. Je peux bien imaginer Redon donnant un autre titre à ce dernier dessin ci-dessous: "Les yeux de ma maîtresse ne ressemblent en rien au soleil..." (Sonnet 130, Shakespeare).
Oeil-Ballon, par Odilon Redon
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Monday, 17 December 2007
Exhibition/Exposition: Odilon Redon (1840-1916)
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Self-portrait, Odilon Redon
Auto-portrait, Odilon Redon
"This unassuming media, which has no beauty in and of itself, has indeed facilitated my explorations of chiaroscuro and the invisible. It is a media not very well considered by artists, and neglected. May I say, nevertheless, that charcoal does not permit one to be nice, it is grave. One can bring out the best in it only with the same feeling", wrote Redon in a letter published in L'Art Moderne in June 1894, under the title "Artist Secrets". These dark drawings known as Redon's "noires" (literally, his "blacks") are part of the Musée d'Orsay's permanent collection and are exhibited only rarely owing to their fragility. A selection of them are now on view together with recently restored Redon albums.
Redon's work baffled a great many of his contemporaries with his imagination and iconographie at the far edge of fantasy, as is the case today. But Redon insisted on the role of the real and of Nature in the building of his imaginary world. "A constant concern for obeying the laws of Nature and of Life," he wrote in "Artist Secrets", taking inspiration from the natural world, both that aspect of it that was real as well as that which was invisible.
His creations were enriched by the scientific discoveries of his time, especially in botany and zoology, but Redon grasped the strange powers in Nature and drew on them to create his strange forms.
Smiling Spider, Odilon Redon
L'Araigné qui sourit, Odilon Redon
"Cette matière quelconque, qui n'a aucune beauté en soi, facilitait bien mes recherches du clair-obscur et de l'invisible. C'est une matière mal vue des artistes, et négligée. Que je le dise pourtant, le fusain ne permet pas d'être plaisant, il est grave. On ne peut tirer bon parti de lui qu'avec le sentiment même", a écrit Redon dans une lettre publiée par L'Art moderne en juin 1894, sous le titre de "Confidences d'Artiste". Ces sombres dessins sont appelés les "noires" de Redon, et ils font partie de la collection permanente du Musée d'Orsay. Ils ne sont exposés que rarement à cause de leur fragilité. Une sélection sont actuellement en vue ensemble avec des albums Redon restaurés récémment.
L'oeuvre de Redon déroute nombre de ses contemporains par son imaginaire et son iconographie à la lisière du fantastique, ce qui est encore le cas aujourd'hui. Redon insiste sur le rôle du réel et de la nature dans la construction de son imaginaire. "Un souci constant d'obéir aux lois du naturel et de la vie" écrit-il dans "Confidences d'Artiste". Il s'inspire du monde naturel, réel mais invisible.
Ses créations se nourrissent des découvertes scientifiques notamment de la botanique et de la zoologie contemporaines. Mais Redon a saisi la puissance fantastique de la nature et y puise des formes étranges.
Guardian Spirit of the Waters, Odilon Redon
L'Esprit gardien des eaux, Odilon Redon
Redon's work represents an exploration of his internal feelings and psyche. He himself wanted to "place the visible at the service of the invisible"; thus, although his work seems filled with strange beings and grotesque dichotomies, his aim was to represent pictorially the ghosts of his own mind. A telling source of Redon's inspiration and the forces behind his works can be found in his journal A Soi-même (To Myself). His process was explained best by himself when he said:
"I have often, as an exercise and as a sustenance, painted before an object down to the smallest accidents of its visual appearance; but the day left me sad and with an unsatiated thirst. The next day I let the other source run, that of imagination, through the recollection of the forms and I was then reassured and appeased."
Devil, Odilon Redon
Diable, Odilon Redon
L'oeuvre de Redon représente une exploration aussi de ses sentiments intérieurs, de son psyché. Il voulais "mettre le visible au service de l'invisible." Ainsi, même si son oeuvre a l'air d'être peuplé d'êtres étranges et de dichotomies grotesques, son but était de représenter d'une façon pictoriale les spectres dans sa propre tête. Son journal "A Soi-même" est une source parlante de l'inspiration de Redon et les forces à l'origine de ses oeuvres. Il explique sa procédure le mieux lui-même en disant (je demande pardon à mes lecteurs francophones, je ne retrouve pas l'originel en français donc j'ai dû traduire):
"Souvent dans le passé, comme exercice et comme sustenance, j'ai peint un objet dans les moindres accidents de son apparence visuel; mais le jour m'a laissé triste et avec un soif insupportable. Le jour après j'ai laissé couler l'autre source, celle de l'imagination, par le souvenir des formes et j'étais ainsi rassuré et saisi."
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Until 6th January 2008
Musée d'Orsay. Metro: Solferino (line 12) or RER Musée d'Orsay (line C)
Open every day except Monday, 9.30am to 6pm (9.45pm on Thursdays)
Entrance fee of 7.50 euros (covers both permanent collection and temporary exhibition).
Jusqu'au 6 janvier 2008
Musée d'Orsay. Métro: Solferino (ligne 12) ou RER Musée d'Orsay (ligne C)
Ouvert tous les jours sauf le lundi, 9:30 à 18:00 (9:45 le jeudi)
Entrée 7,50 euros (pour la collection permanente et les expositions temporaires).
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L'Oeil, Odilon Redon
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Friday, 14 December 2007
Making Aquaintance II/On fait connaissance II
Mystery. An empty tree, a roof.
Mystère. Un creux d'arbre vide, un toit.
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I was peacefully and thoughtfully picking up a jar of Dammar resin crystals and turpentine and giving it a good shake, and then ruefully looking at the varnish solution I thus had spattered all over my clothes. Then suddenly:
WHOMP! SCRABBLE-SCRABBLE-SCRABBLE, I hear on the roof.
Silence.
What on earth was that?
It was very early in the morning, and it was still dark out there. And cold. But curiosity took greater hold of me and ignoring the stickiness all over my hands and jeans I went out to have a look.
Now in the fall I had had my nerves shattered several times a day with an equally sudden unannounced:
CRACK! RATTLE-RATTLE-RATTLE-paff.
I had thought a family of squirrels with a vile sense of humor to be the origin, but this had proven instead to be the chestnut tree in the villa behind this one, dropping its bounty several times a day. The nut would hit the corrugated glass roof vengefully with every intention of breaking it, and then would roll noisily on down the corrugation to drop meekly into my little garden with almost no sound.
But back to our story.
What had made all that noise? And it was then that I spied a cat in the tiny courtyard. This was a black-and-white feline with an approach-avoidance conflict despite his basic sense of courtesy. When I made buzzing noises he lifted his tail artfully and approached, and then this audacity being too much for him, he dropped his tail and retreated, only to go through the cycle again several times. I was charmed by him, but this did not explain all that noise on my roof, and I continued to look around for an explanation as I tried to make friends.
Then, avoidance won out over approach, and he leaped up into the tree in front of my studio, glared at me balefully while I dashed in, grabbed my camera, dashed out and photographed him, and then he cast one last fearful glance - maybe it was all that Dammar resin varnish - before leaping up again onto my roof and disappearing into the early morning darkness...
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Minou dans ladit arbre.
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Paisiblement et avec réflexion je prenait un bocal de cristaux de résine Dammar et térébenthine pour bien le secouer, et avec détresse je regardais la solution de vernis j’ai ainsi aspergé partout sur mes vêtement. Puis, tout d’un coup :
PAF ! GLISSE-GRIFFE-GLISSE-GRIFFE, j’entends sur le toit.
Silence.
Qu’est-ce que c’était ça ?
C’était très tôt le matin, et il faisait encore noir dehors. Et froid. Mais la curiosité a mis la main sur moi, et faisant abstraction de la matière collante partout sur mes mains et mes jeans je suis allée dehors regarder.
Il faut dire qu’à l’automne j’ai eu dure épreuve pour mes nerfs plusieurs fois par jours avec quelque chose semblable et également brutal :
CLAC! FRACAS-FRACAS-FRACAS-paff.
J’ai cru à une famille d’écureuils avec un sens de l’humeur pénible, mais à la fin de l’histoire c’était plutôt un marronnier dans la villa derrière la mienne, qui laissait tomber ses fruits plusieurs fois par jour. La noix frappait le toit en verre ondulé avec de la vengeance et toute intention de la casse, et ensuite l’objet roulait dans les rainures bruyamment pour tomber timidement dans mon petit jardin avec quasiment aucun son.
Mais revenons à nos moutons.
C’est quoi qui a fait tout ce bruit ? Et là j’ai vu un chat dans la petite cour. Un félin noir et blanc avec un conflit approche-évitement en dépit de son sens de base de courtoisie. Quand j’ai fait des bruits de bourdonnement il levait sa queue avec art et il s’approchait de moi, et ensuite cette audace étant trop pour lui, il laissait tomber la queue et il reculait, pour recommencer le même cycle à plusieurs reprises. Il me charmait, mais il n’offrait pas d’explication pour le bruit sur mon toit, et j’ai continué à en chercher une tout en essayant de nouer une amitié avec lui.
A la fin l’évitement a gagné sur l’approche, et il a sauté dans l’arbre devant mon atelier. Il me regardait avec fureur pendant que j’ai plongé dans mon atelier pour saisir mon appareil photo pour ensuite le photographier. Il m’a jeté un dernier regard peureux – c’était peut-être tout ce vernis de Dammar partout – avant de sauter sur mon toit pour disparaître dans le noir avant l’aube…
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Minou en fureur.
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Tuesday, 11 December 2007
Website: "About"/Site Web: "About" (Concernant)
The "About" website logo
Le logo pour le site web "About"
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"From the age of six I had a mania for drawing the shapes of things. When I was fifty I had published a universe of designs. But all I have done before the age of seventy is not worth bothering with. At seventy-five I'll have learned something of the pattern of nature, of animals, of plants, of trees, birds, fish and insects. When I am eighty you will see real progress. At ninety I shall have cut my way deeply into the mystery of life itself. At a hundred I shall be a marvelous artist. At a hundred and ten everything I create; a dot, a line, will jump to life as never before. To all of you who are going to live as long as I do, I promise to keep my word. I am writing this in my old age. I used to call myself Hokusai, but today I sign myself, ‘The Old Man Mad About Drawing.' "
« De l’âge de six ans j’ai eu une manie pour dessiner la forme des choses. Quand j’avais cinquante ans j’avais publié un univers de motifs. Mais tout ce que j’ai fait avant l’âge de soixante-dix, ce n’est pas la peine. A soixante-quinze ans j’aurai appris quelque chose des motifs de la Nature, des animaux, des plantes, des arbres, des oiseaux, les poissons et les insectes. Quand j’aurai quatre-vingt ans vous verrez de vrai progrès. A quatre-vingt dix j’aurai creusé profondément dans le mystère même de la vie. A cent ans je serai un artiste merveilleux. A cent et dix ans tout ce que je crée, un point, une ligne, surgirait avec de la vie comme jamais avant. Pour tout ceux de vous qui vont vivre aussi longtemps que moi, je promets de tenir ma parole. J’écris ça dans ma vieillesse. Je m’appelais autrefois Hokusai, mais aujourd’hui je suis le soussigné, ‘Le Vieux Fou Pour Le Dessin.’ »
I got this wonderful quote by Hokusai writing in 19th century Japan from the English-language About website. You can search just about anything on it, but since our concern here is Arty Stuff, this evening I carefully typed in the word "painting" and hit the Search button to see.
It was Pandora's box all right. A first category, called "Essentials", offered me options as diverse as a painting forum, an article on right-brain painting, and step-by-step painting demos and videos. A second category, called "Painting Offers", proposed anything the search engine could find, a little like an eager terrier let loose in the park, from filters to tea strainers. The last category, "Topics", offered me a wide variety of articles to read, for example, on color theory, selling one's paintings and how to paint animals. "Tools" proved to be advertising. But each really interesting category developed with links into a rich arborescence of resources and information on the subject of painting.
J'ai obtenu cette citation, de Hokusai écrivant dans le Japon du XIXème siècle, du site web About, en anglais. Vous pouvez cherchez quasiment tout sur le site, mais comme nous sommes concernés par les Choses Artistiques ici, ce soir j'ai soigneusement tapé le mot "painting" et j'ai cliqué sur le bouton "Recherche" pour voir.
C'était bien la boîte de Pandore. Une première catégorie, qui s'appelle "Essentiels", m'a proposé des options aussi divers qu'un forum sur la peinture, un article sur la peinture en fonction du cerveau droit, et des démos et des vidéos expliquant des choses point par point. Une deuxième catégorie, "Propositions peinture", m'a offert tout ce que le moteur de recherche pouvait trouver, un peu comme un Yorkshire laché dans un parc, allant de filtres aux passoirs à thé. La dernière catégorie, "Sujets", m'a proposé une grande variété d'articles à lire, par exemple, sur la théorie de la couleur, comment vendre ses tableaux, et comment peindre les animaux. "Outils" s'est montré d'être de la pub. Mais chaque catégorie sérieuse développait avec des liens une riche arborescence de resources et d'information sur le sujet de la peinture.
"Drawing" accomplished the same thing. I got information ranging on everything from how to draw manga to how to draw spirals, along with a list of Christmas shopping ideas for the artists on your list, to drawing quotations ((hence the Hokusai above, along with the several Hokusai prints illustrating this article), to a list of the most popular subjects on the site in connection with drawing, for example: how to draw eyes; draw a dog step-by-step; draw a horse step-by-step. I read a great tutorial on how to draw hair, and then got sent to a website that gave me a demonstration. I signed up for a free newsletter on drawing tips, and then finally gave a thought to making that cup of tea I had had in mind two hours before.
I regretfully closed down the site, but not before reading Hokusai's words on his deathbed at the age of almost ninety: "If Heaven had lent me but five years more, I would have become a great painter."
"Dessin" a accompli la même chose. J'ai obtenu des information sur tout, allant de "comment dessiner un manga" à "comment dessiner une spirale", ensemble avec des idées de cadeaux de Nöel pour les artistes sur votre liste, et une série de citations sur le dessin (d'où le Hokusai ci-dessus, ensemble avec les plusieurs estampes Hokusai illustrant cet article); il y avait une liste des sujets les plus populaires sur le site par rapport au dessin, par exemple: comment dessiner des yeux; comment dessiner un chien, point par point; comment dessiner un cheval, point par point. J'ai lu un tutorial génial sur comment dessiner les cheveux, et ensuite le site m'a envoyé sur un autre pour en avoir une démonstration. Je me suis inscrite pour un newsletter gratuit d'astuces en dessin, et enfin j'ai eu une pensée pour la tasse de thé que j'allais me préparer deux heures avant.
Avec regret j'ai fermé le site, mais non sans avoir lu les mots de Hokusai sur son lit de mort à l'âge de presque quatre-vingt dix ans: "Si le Ciel m'avait accordé seulement cinq ans de plus, je serais devenu un grand peintre."
Site: http://about.com
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Saturday, 08 December 2007
Exhibition/Exposition: Ferdinand Hodler (1853-1915)
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Self-portrait, Ferdinand Hodler
Auto-portrait, Ferdinand Hodler
Born in Bern in 1853, Hodler was 18 when he came to Geneva to train himself by copying works by the city's masters of Romantic landscapes.
Invited by Barthélemy Menn to continue at the School of Fine Arts, Hodler settled in Geneva for good, residing there until his death in 1918. After a difficult start, he was able to get the necessary support to develop an innovative approach that would lead him to an international career as one of Switzerland's most important figures of modernity.
Né à Berne en 1853, Hodler a dix-huit ans lorsqu’il arrive à Genève pour s’y former par la copie des maîtres genevois du paysage romantique.
Invité par Barthélemy Menn à suivre son enseignement à l’École des beaux-arts, Hodler s’établit alors dans cette ville d’adoption dans laquelle il résidera jusqu’à sa mort en 1918. Après des débuts difficiles, il y trouvera l’appui nécessaire au développement d’une démarche novatrice qui fera de lui, au fil d’une carrière internationale, l’un des plus importants chefs de file de la modernité en Suisse.
Night, Ferdinand Hodler
La Nuit, Ferdinand Hodler
One comes away awed from the current exhibition at the Orsay Museum, where realism has been transformed into Symbolist dream. Hodler sought to incorporate rhythm into his landscapes and dance into his portrayals of people. This search for rhythm went as far as frequent symmetry, at the risk of his work becoming purely decorative. The anarchy of a landscape turned into evenly balanced events on the horizon and repetitive cloud formations in the skies; yet the layered transparence of color and compositional movement create a vibration of mystery and meaning. And Realism become Abstract.
Lake Thoune and Reflections, Ferdinand Hodler
Le lac de Thoune aux reflets, Ferdinand Hodler
On part ébloui de l’exposition actuelle au Musée d’Orsay. Le réalisme a été transformé en rêve Symboliste. Hodler a cherché à incorporer le rythme dans ses paysages et la danse dans ses représentations de personnes. Cette recherche d’un rythme est allée très loin, dans une symétrie fréquente, avec le risque que l’œuvre devient purement décorative. L’anarchie d’un paysage est ainsi rendue en une série d’évènements, tous équilibrés sur une ligne d’horizon avec des formations nuageuses à répétition dans les cieux, le tout avec des couleurs en couches de transparence et la composition en mouvement, pour créer de la vibration, du mystère, et du sens.
Lake Silvaplana in Autumn 1907, Ferdinand Hodler
Le Lac de Silvaplana en automne 1907, Ferdinand Hodler
His work is also a story of those lines that either delimit human or vegetable or mineral form with an energy that is a dance in itself; or those lines that straighten and extend themselves horizontally to describe the horizon and its echos of sensation, color and light.
In what I considered the key piece in the exhibition, L’Amour ("Love"), two lovers entwine before a sea, in an archetypical embrace. The sea horizon is three horizontal ribbons of color suspended over the lushness of the act about to occur. Later in his life, when Hodler’s beloved mistress was dying of cancer, he meticulously recorded her agony and his own in achingly painful paintings. Some of these are in the exhibition, and those portraying her emaciated body on its deathbed have the same three horizontal stripes suspended over it, become strict lines to severely embellish the walls of the death chamber. In this way, one cannot help but see the threat of separation and death prefigured unconsciously in the earlier work, or perhaps consciously recalled in the later one. Horizontality speaks of mortality. This is indeed the language of Hodler’s last works. Ill and confined to bed, he could only paint what he saw from his window, and these landscapes are pure, vibrant, transparent abstractions of horizontality, as the artist shed that which delimited himself on this Earth to achieve a sense of oneness with Nature with his coming death….
Valentine on her deathbed, Ferdinand Hodler
Valentine sur son lit de mort, Ferdinand Hodler
Son oeuvre est également une histoire de ces lignes qui soit limitent la forme humaine, végétale ou minérale avec une énergie qui est une danse en soi; soit deviennent droit et se tirent horizontalement pour decrier l’horizon et ses échos de sensation, couleur et lumière.
Dans le tableau que je considère la clé de l’exposition, L’Amour, deux amants sont en étreinte archétypique devant la mer. L’horizon océanique consiste en trois rubans de couleur horizontale suspendus au-dessus la sensualité de l’acte sur le point de survenir. Plus tard dans sa vie, quand la maîtresse adorée de Hodler mourait d’un cancer, il préservait méticuleusement en peinture son agonie et la sienne dans des tableaux profondément douloureux. Quelques-uns sont dans cette exposition, et ceux montrant son corps amaigri sur son lit de mort ont les même trois traits horizontaux suspendu par-dessus, devenus de strictes lignes pour embellir les murs de la chambre de mort avec sévérité. Ainsi on ne peut pas s’empêcher de voir la menace de séparation et de mort préfigurée inconsciemment dans l’œuvre antérieur, ou éventuellement rappelé consciemment ultérieurement dans celle qui est postérieur. L’horizontalité parle de la mortalité. C’est effectivement le langage des dernières œuvres de Hodler. Malade et cloué à son lit, il ne pouvait que peindre ce qu’il voyait de sa fenêtre, et ces paysages sont pures, vibrantes, des abstractions transparentes de l’horizontalité, au fur et à mesure que l’artiste quitte ce qui le limite sur cette Terre pour arriver à un sentiment d’unité avec la Nature avec la mort qui s’approche…
The Eiger, the Mönch and the Jungrau in the Moonlight
L'Eiger, le Mönch et la Jungfrau au clair de lune
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Until 3rd February 2008
Musée d'Orsay. Metro: Solferino (line 12) or RER Musée d'Orsay (line C)
Open every day except Monday, 9.30am to 6pm (9.45pm on Thursdays)
Entrance fee of 7.50 euros (covers both permanent collection and temporary exhibition).
Jusqu'au 3 fèvrier 2008
Musée d'Orsay. Métro: Solferino (ligne 12) ou RER Musée d'Orsay (ligne C)
Ouvert tous les jours sauf le lundi, 9:30 à 18:00 (9:45 le jeudi)
Entrée 7,50 euros (pour la collection permanente et les expositions temporaires).
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Autoportrait aux roses, Ferdinand Hodler
00:00 Posted in Exhibitions/Expositions | Permalink | Comments (0) | Email this | Tags: Ferdinand Hodler, Musée d'Orsay
Wednesday, 05 December 2007
Latte Coffee Art/L'art du café latte
I love eating or drinking where they know you. For example Le Select in Paris, near Vavin, has been an early morning hangout of mine for several years. The waiters watch me come in the door and wordlessly bring me a café-crème (no sugar necessary) and a warm croissant without my saying anything other than good morning.
As a food lover, I was thus wandering in the realm of good grub videos and came across this surprising and little-known specialty: latte art. Some of the techniques I recognize from my years as a food and wine interpreter; I saw cuisine and pastry chefs use them to decorate their work for that final astonishing finish. Others are clearly specific to this strange and curious art form. Got three minutes? Please enjoy (yum, yum) the video below. Click on the play button.
J'adore manger ou boire là où on te connait. Par exemple, Le Select à Paris, près de Vavin, est devenu un peu ma cantine d'une façon matinale pendant plusieurs années. Les serveurs me voient entrer par la porte et sans un mot ils m'apportent un café crème (les sucres, c'est pas la peine) et un croissant chaud, sans que je dise quoi que ce soit, à part bonjour.
En tant que quelqu'un qui aime manger, ainsi j'errais dans le domaine de vidéos "bonne bouffe" et j'ai découvert cette spécialité surprenante et peu connu: l'art du café latte. Quelques-une des techniques je reconnais de mes années comme interprète dans la gastronomie et le vin; les chefs cuisine et les chefs pâtissiers les utilisaient pour décorer leur travail pour cette finition étonnante. D'autres sont clairement spécifique à cette forme étrange et curieuse de l'art. Vous avez trois minutes? S'il vous plaît, prenez le plaisir de regarder (miam, miam) la vidéo ci-dessous. Cliquer sur le bouton "play".
Got one more minute? This one is just beautiful.
Vous avez encore une minute? Celle-ci est tout simplement beau.
One last minute? This is by a Japanese artist....
Une dernière minute? Celle-ci est faite par un artiste japonais...
00:15 Posted in The Art of Eating and Drinking/L'art du manger et | Permalink | Comments (4) | Email this | Tags: Latte Coffee Art, Coffee, Latte